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García Ponce, actual 25 años después

Collages. Esta técnica cobró relevancia para el artista hacia los años 70. ESPECIAL /

  • Artes plásticas.Las 65 piezas podrán verse hasta el 25 de agosto

A partir de mañana estará abierta al público la muestra del fallecido artista plástico mexicano, en el Instituto Cultural Cabañas

GUADALAJARA, JALISCO (30/MAY/2013).- “Ese cuadró que ves ahí, tiene más de 40 años que fue hecho, podrías jurar que fue hecho ayer, dice Carlos García Ponce, hermano del artista fallecido en 1987 y coordinador general del Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán (MACAY) cuando habla de la exposición titulada Fernando García Ponce, actual, presente contemporáneo 25 años después, que abrirá mañana al público en el Instituto Cultural Cabañas.

Con 65 piezas repartidas cronológicamente en tres salas -12 de gráfica y 53 de pintura- se podrá observar buena parte de la obra de García Ponce (1933-1987), representante de la generación de La Ruptura, contemporáneo de Vicente Rojo, José Luis Cuevas, por ejemplo. Desde su primer cuadro que data de 1951, cuando el yucateco ejercía la pintura como un pasatiempo, y hasta 1987, cuando se expresaba a través de collages. El acervo de Galería Ponce, en la Ciudad de México, está compuesto por aproximadamente de 120 piezas. La muestra fue montada el año pasado en el Museo de Arte Moderno, en el DF.

Diferentes textos en las paredes del recinto ofrecen una postura ante la obra de García Ponce. Óscar Olea escribió que “Fernando García Ponce es un pintor abstracto y como todos ellos un solitario que ha roto con la realidad y se propone la tarea de re-crear una sensibilidad vuelta sobre sí misma, para recoger lo que adentro de nosotros no tiene nombre, ni continuidad,  ni elementos, y sin embargo, es un trabajo que actúa sobre la realidad para transformarla y no un accidente desprovisto de propósitos”.

La curaduría de la exposición estuvo a cargo de  Daniel Garza Usabiaga, quien trabajó con el concepto de la construcción del arte de Fernando García Ponce. Carlos García Ponce afirma  que la importancia de la muestra es que, a 25 años de la muerte del pintor, su trabajo sigue actual, presente y contemporáneo.

“Fernando tuvo tres etapas dentro de su pintura: empieza siendo un pintor realista, retratista y básicamente sus temas eran el paisaje. Luego tiene una corta etapa en la cual trabaja el cubismo; sin embargo, no es la técnica del cubismo que desfigura, sino que él trabajó el cubismo sobreponiendo, a través de transparencia, la figura. Pone una figura y encima le pone la misma figura.”

Fuente de agua viva


En los años sesenta, García Ponce, hernano de Juan, el escritor, también ya fallecido, entró de lleno a la pintura abstracta. Uno de los cuadros que dan fe por esta elección se encuentra en la primera sala de exposición. Es un acrílico sobre tela, realizado en 1961.

Su primera exposición se llevó a cabo en el año de 1959, en la Galería de Arte Mexicano, con 26 óleos de naturaleza muerta. En 1960 realizó una composición abstracta sin título y para 1963 ya era un pintor totalmente abstracto.

“Yo calculo que la decisión de Fernando de entrar a la figura abstracta es que lo que quiere reflejar permanentemente es eso que dice ahí: ‘El arte es como una fuente de agua viva, su gran valor consiste en que permite la introspección y nos salva un poco de ser devorados por el sistema atroz y absurdo en que vivimos’. Yo creo que el problema de Fernando y lo que quiere dar en su lenguaje artístico es precisamente el caos en el cual vive él y vive el mundo.”

Para demostrar el caos, la única fórmula con la que contó el pintor fue la unión de la forma y el color, dejando a un lado a la figura. Dentro de lo abstracto, García Ponce trabajó el abstraccionismo geométrico y el orgánico. En los años setenta  introdujo el collage en su obra.

“Empieza a pegar cosas. Esporádicamente ves obras en las cuales de repente ves un cacho de periódico como parte de la composición. Su gran paso siguiente, es en los ochenta, donde ya definitivamente su expresión artística fue el collage.”

Abstraccionismo orgánico

“Pegaba un cuadro reproducido de Siqueiros y luego le ponía una tacha, y luego ponía el edificio del Museo de Antropología y lo borroneaba. Ahí estaba dando el mensaje de su contorno, estaba dando el mensaje de su pensamiento. Esa es la gran aportación de Fernando a la pintura mexicana.”

Su hermano Carlos señala que Fernando aportó a la plástica mexicana su gran expresión en el abstraccionismo orgánico y, de forma “arrasante”, su trabajo con el collage. Agrega que, gracias al trabajo de museografía, será muy fácil para los visitantes apreciar los cambios en el trabajo del artista plástico.

La exposición finaliza el  25 de agosto.

Representante de La Ruptura

Fernando García Ponce pertenece a la generación de finales de los años cincuenta llamada la “Generación de la Ruptura”, ya que su propuesta marcaba una total distancia con la Escuela Mexicana. Así, expresiones como el geometrísmo, la abstracción, el informalismo, el neo figurativo, que eran expresiones artísticas casi vedadas en los años sesenta, comenzaron a dominar la escena artística.

Nació el 25 de agosto de 1933 en Mérida, Yucatán. Al cumplir 11 años su familia se establece en la capital del país. En 1952 ingresa a la Universidad Nacional Autónoma de México para cursar Arquitectura; además acude al taller del pintor valenciano Enrique Climent, quien reconoció su talento y a pesar de no dedicarse a la docencia decide convertirse en su maestro.

Sus primeros cuadros datan de 1954, son retratos familiares; dos años más tarde, la geometría aumenta significativamente en sus obras. En 1957 hace diferentes viajes a Europa y toma la decisión de dejar la Arquitectura para dedicarse por completo a la pintura.

Su primera exposición individual fue en la Galería de Arte Mexicano (1959), con 26 óleos de naturaleza muerta; en 1960 realiza una composición abstracta intitulada “No. 1”, parteaguas que marca definitivamente su obra. Con una serie de collages se hace acreedor a una mención honorífica en el Salón de la Plástica Mexicana.

García Ponce participa nuevamente en la Galería de Arte Mexicano y en la Colectiva de Pintura Contemporánea de México y América del Sur (1961). A dos años de distancia su pintura ya es totalmente abstracta y expone 14 obras en la Galería Juan Martín.

También participa en la Colectiva de Arte Actual de América y España, en Madrid. Para 1974 su pintura revela la voluntad de sintetizar el frío ordenamiento geométrico.

En 1976 viaja junto con su esposa Denise y su hijo Esteban a París, posteriormente pasan una temporada en Barcelona, donde realiza dos carpetas gráficas que contiene 10 serigrafías y 12 litografías.

A su regreso a México el Museo de Arte Moderno (1978) organiza una gran exposición de 40 obras.  A un año de este suceso, su esposa fallece trágicamente, sin embargo, él se mantiene concentrado y su creatividad sigue intacta; la pintura de esos años es potente y sumamente inspirada.

A los 54 años y considerado uno de los artistas más importantes de la plástica nacional, García Ponce fallece en su taller (11 de julio de 1987) de un infarto al miocardio.

Texto tomado de www.fernandogarciaponce.com

CRÉDITOS:

EL INFORMADOR / HJ
Mayo-30 00:10 hrs

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Un viaje por la antigüedad clásica

  • Libros. Para la reflexión

Marcos Chicot publicó la novela histórica 'El asesinato de Sócrates'

GUADALAJARA, JALISCO (24/MAY/2017).- El escritor Marcos Chicot publicó la novela histórica “El asesinato de Sócrates”, Finalista Premio Planeta 2016. Luego del éxito de “El asesinato de Pitágoras”, Marcos retoma la antigüedad clásica, una etapa que admira por sus logros. Pero el autor comentó en entrevista que la documentación para recrear la vida cotidiana varió por los años de diferencia entre Sócrates y Pitágoras: “Aunque estemos en la Grecia antigua, estamos en circunstancias muy diferentes: con Pitágoras era una colonia de la magna Grecia. Casi un siglo después pasamos al centro de todo, Atenas. La dificultad en ambas novelas ha sido la contraria, con Pitágoras era la poca información disponible, con Sócrates había tanto información que había que seleccionar”.

Su interés por la época es por la importancia que tuvo en el desarrollo de la humanidad, de allí que a ese periodo y lugar se le conozca como “la cuna de la civilización”: “Es lo que más me fascina, me parece la época más interesante. Creo que se merece conocer mejor. ‘La cuna de la civilización’ no es una frase hecha, es una realidad. Es un lugar donde en unas décadas hubo una explosión absoluta del arte y del pensamiento, se perfeccionaron cosas existentes, inventaron otras que ahora definen nuestra cultura: sin todo ello no seríamos lo que hoy consideramos como sociedad. Arquitectura, historia, literatura, democracia”.

Al narrar una trama ubicada en un momento histórico determinado, el escritor ha sabido insertar los datos verídicos de la ambientación: “No hago un decorado histórico para narrar una historia de ficción: es un fin, también, divulgar ese conocimiento; por supuesto primero hay que entretener, sino al lector lo pierdo”.

La importancia de la mujer

Marcos resalta el papel de la mujer dentro de esa sociedad, pues a pesar de que la mitad de la población eran mujeres, no se registró lo suficiente su punto de vista: “Es un deber histórico, moral, mostrar cuál era su papel. Su situación era mucho más dura que la de los hombres, sin derechos, con matrimonios de conveniencia. Son personajes con un carácter aguerrido, duro, que no se doblegan a las circunstancias”.

Al final de su libro, Marcos Chicot suele colocar una carta para sus lectores en donde deja en claro las fronteras entre la realidad histórica y la ficción. Además, en su mensaje para los lectores busca concientizar sobre el Síndrome de Down, ya que su hija la tiene: “Mi misión es dar a conocer la realidad del Síndrome de Down, una mejor realidad que la que se conoce. Doy información real para ir contra el prejuicio, es el mayor obstáculo que tienen para insertarse en la realidad. Su capacidad intelectual está muy por encima de lo que se ha pensado”.


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EL INFORMADOR / JMMO
Hoy 01:04 hrs

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México triunfa en Mundial de vino

Brillo. El vino mexicano, cada vez más valorado a nivel mundial. EL INFORMADOR / F. González

  • Sabores. Maduran ante el mundo

El país destacó por su precisión técnica y gran expresión sensorial

GUADALAJARA, JALISCO (24/MAY/2017).- Dieciocho etiquetas mexicanas cautivaron a catadores de todo el mundo y se adjudicaron medallas durante la edición número 24 del Concours Mondial de Bruxelles, campeonato internacional de vinos realizado del 5 al 7 de mayo en Valladolid, España.

De entre más de nueve mil vinos de España, Francia, Italia, Portugal, Hungría y Estados Unidos, entre otros países productores, los mexicanos destacaron por su precisión técnica y gran expresión sensorial.

Casa Grande Chardonnay 2016 y Casa Madero Chardonnay 2016, ambos de Casa Madero; Casta Tinta Syrah 2014, de la vinícola bajacaliforniana Casta de Vinos; Duetto 2011 y Solera Blanco, de Bodegas de Santo Tomás, y Zigzag 2014, de Hilo Negro, recibieron medallas de oro.

Preseas de plata fueron concedidas a Casa Grande Shiraz 2013, de Casa Madero; Cardón 2014, Casta Blanca 2016 y Casta Negra 2013, de Casta de Vinos; Cuna de Tierra 2014 y Cuna de Tierra Nebbiolo 2014, de Bodegas Vega Manchón; Cabernet Sauvignon Reserva Privada 2013, Nebbiolo Reserva Privada 2013, Petite Sirah 2015 y Sauvignon Blanc 2016, de la vinícola L.A. Cetto; Sauvignon Blanc Viña Kristel 2016, de Monte Xanic, y el trivarietal 2013 de Syrah, Merlot y Tempranillo de la zacatecana Tierra Adentro.

“Para un mercado como el mexicano, que está en proceso de maduración, es importante poder tener estas referencias internacionales a fin de guiar al consumidor. Una presea significa que tus vinos están a la altura de los mejores del mundo; esto fortalece la confianza del consumidor y la convierte en orgullo”, detalló Ramón Vélez, director comercial de Vega Manchón, una de las destacadas y que se llevó medalla de plata en la velada.

“Estamos contentos de poder ser premiados en el Concurso de Bruselas, especialmente después de que este año pudimos vivir de cerca la magnitud del evento, la calidad de los jueces, la robustez del proceso de calificación y evaluación de las muestras. Todo eso hace doblemente importante el reconocimiento”, agregó.

Los vinos mexicanos recibirán sus medallas de las manos de Baudouin Havaux, presidente del Concours Mondial de Bruxelles, durante una ceremonia de premiación que se realizará el 14 de junio en la Ciudad de México.

LO BÁSICO

En total, nueve mil 80 vinos se hicieron presentes en el certamen. Un total de 320 catadores y especialistas se integraron en el jurado y se contó con 50 países productores. Baja California, Coahuila, Zacatecas y Guanajuato fueron los Estados de la República que proporcionaron los vinos más aclamados.


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EL INFORMADOR / JMMO
Hoy 01:22 hrs

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Mexicanos leen más poesía gracias a internet

Pedro Serrano. El poeta estuvo presente en una tertulia literaria en Reino Unido. NTX /

  • Literatura. Habló de Octavio Paz

Pedro Serrano afirma que las nuevas tecnologías benefician a la literatura

CIUDAD DE MÉXICO (24/MAY/2017).- El poeta mexicano Pedro Serrano afirma que hay un resurgimiento de la poesía, a la que calificó de “muy rica y variada” que cada vez acumula más lectores a través de internet.

“Yo creo que la poesía mexicana es muy rica y muy variada. Cada vez hay más lectores de poesía, hay más festivales de poesía, los poemas están llegando más a la gente y la gente los está buscando más porque yo creo que los necesitamos”, afirmó.

En entrevista, el director de la reconocida revista Periódico de Poesía-UNAM, aseguró que el internet ha ayudado a crear más poetas y lectores. “En internet pasan muchas cosas en poesía. Hay mucha gente joven publicando y alejándose mucho de lo que nosotros entendemos como poesía mexicana”.

Serrano considera que hay varias tradiciones de poesía y agregó que el tapiz poético está roto y deshilado. “El chiste de una tradición es que esté viva, que las cosas están contándose unas a otras, que formen más que una línea un país y en ese sentido el tapiz de la poesía mexicana está como muy roto y hay que volverlo a hilar”.

El autor de “Ignorancia” (1994), “Turba” (2005) y “Nueces” (2009) señaló que hay una línea de poesía muy fuerte que va de Ramón López Velarde a Salvador Novo y a Efraín Huerta que “está oculta y que parece que no forma parte de la poesía mexicana, pero que es central”.

Serrano leyó a la comunidad mexicana en esta ciudad extractos de sus libros de poesía traducidos al inglés “Ignorance” (Ignorancia) y “Peatlands” (Turba) y aprovechó para hablar de su relación con el escritor mexicano Octavio Paz, fallecido en abril de 1998. “Aún falta tiempo para saber cuál fue el legado literario que dejó porque la gente joven no está leyendo a Paz”, destacó.

Serrano mencionó que es importante recuperarlo “porque la voz hegemónica de lo que dice Paz, no es lo que dice Paz. Es una serie de intérpretes que a la gente joven no les dice nada”.

Agregó que son las voces intermediarias las que han hecho que Paz se haya vuelto como “una figura que se está haciendo vieja”. Recomendó leer a Paz “no como el gran Tlatoani, sino como una persona con muchas debilidades pero que se volcaba en lo que estaba haciendo y eso es un buen gancho para que se recupere” su obra literaria.


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